En esta entrevista, el colorista Dylan Hopkin cuenta cómo la colaboración bajo una visión compartida ayudó a lograr un etalonaje realmente inspirador en la galardonada serie noruega «The Fortress». Ganadora en la categoría al mejor guion en Series Mania, la serie dramática originaria de Noruega tuvo su estreno internacional en la plataforma Viaplay.
El drama distópico de siete episodios de 45 minutos cada uno protagonizado por Russell Tovey («Years and Years») se adentra en el año 2037, momento en el cual Noruega decide cortar con todo tipo de lazos internacionales y construye una muralla enorme en su perímetro. Inicialmente prosperando en su aislamiento, el destino de Noruega toma un giro peligroso cuando se ve atacada por una enfermedad mortal, convirtiendo la fortaleza una vez protectora en una trampa ineludible.
Producida por Maipo Film para Viaplay y dirigida por Cecilie A. Mosli y Mikkel Brænne Sandemose, esta serie resuena con los debates modernos, cuestionando la relevancia de las políticas migratorias mientras que pone el tema del agotamiento de recursos en el centro de la acción.
Filmada en Noruega y Lituania, la posproductora Nordisk Film ShortCut Oslo estuvo a cargo del conformado, el etalonaje y la finalización de la serie con DaVinci Resolve Studio de Blackmagic Design. Además, fue responsable del diseño de sonido y la masterización, mientras que Troll VFX en Finlandia realizó los efectos visuales.
Debido a que ya había colaborado con Mosli y Sandemose, Dylan Hopkin, colorista en Nordisk Film ShortCut, se unió al proyecto cuando la fotografía principal ya estaba en marcha, revelando cómo disfrutó del desafío establecido por el director de fotografía Lars Vestergaard (DFF).
¿Cuál fue tu punto de partida?
-Inicialmente analizamos varias direcciones visuales y cómo podríamos colaborar. Sin embargo, cuando pedí referencias visuales, Lars inmediatamente cambió el enfoque y me desafió a explorar diferentes estilos que se pudieran adaptar a la serie antes de reunirnos en persona por primera vez. Encontré gran alegría en este enfoque y me sumergí de lleno en cómo cada escena me hablaba visualmente.
No obstante, me aseguré de no encasillarnos en una estética particular durante el etalonaje. Especialmente porque no habíamos desarrollado una apariencia específica para la serie de antemano. Tenía que ser capaz de acomodar cambios en la base de nuestro estilo visual a lo largo del proceso.
¿Cómo abordaste la definición del estilo visual para la serie?
-Aunque no tenía referencias visuales concretas a seguir, Lars había iluminado las escenas de manera muy específica para lograr un contraste ajustado general, un énfasis audaz en los reflejos y una diferencia más suave en las áreas de los rostros.
Una palabra clave que estuvo presente en nuestras conversaciones desde el principio fue «metálico», lo que significaba adoptar un sutil sentido de conservación de la plata en nuestra emulsión cinematográfica digital, rindiendo homenaje a omitir parcialmente la función de blanqueado al procesar películas analógicas tradicionales, lo que produce matices más desaturados y una curva de contraste más ajustada.
Esto ayudó a subrayar las diferentes referencias visuales entre la dicha en Bergen y la dura realidad de los campos de refugiados.
Primero, necesitábamos ver los colores a un nivel macro, utilizando un enfoque amplio, donde revelamos un «rollo de película digital» para la serie. Algo que respetara y acentuara la esencia de la imagen a fin de beneficiar a la historia, los personajes, la cinematografía, el diseño de producción, el vestuario, el peinado y el maquillaje.
Disfruté añadiendo pequeñas imperfecciones a las «estéticas de la serie» utilizando las curvas personalizadas de DaVinci Resolve Studio y las secuencias de comandos DCTL para imitar la transferencia entre los canales de color. Las imágenes respiran más cuando ciertas partes del rango tonal se alejan del centro ligeramente. De lo contrario, puedes terminar con una apariencia poco inspiradora.
¿Cuánto tiempo dedicaste a cada episodio?
-Para el etalonaje primario, dedicamos aproximadamente 36 horas por episodio. Sin embargo, se asignó tiempo adicional para el desarrollo de la estética, los cambios en la edición a lo largo del proyecto y el etalonaje de las tomas con efectos visuales.
Durante el etalonaje final, cada fotograma de acción en vivo se procesó con una estructura nodal personalizada en Resolve, que creó el marco para la apariencia de la serie que habíamos diseñado. Este marco siempre fue la última transformación aplicada a la imagen.
¿Cómo ayudó DaVinci Resolve Studio en el proceso de etalonaje?
-Apliqué sutilmente la herramienta de refinamiento facial para mejorar la luz en los ojos de los actores, de modo que el público se sintiera más conectado con los personajes en momentos importantes. También hubo un par de escenas en las que un policía uniformado llevaba un sombrero con una mezcla de telas negras y azul oscuro, por lo que tuvimos que etalonar el azul para que coincidiera con el negro. Esto puede sonar como una tarea sencilla; sin embargo, las cualidades refractarias del área azul oscuro eran mucho más brillantes que las áreas negras, y los rangos de luminancia más oscuros eran muy similares. Utilicé la máscara de objeto en la función «Máscara mágica» y una Power Window para separar las áreas negras y azul oscuro. Una vez que obtuve una buena máscara, pude cambiar el área azul oscuro para que coincidiera con las telas negras en cuestión de minutos.
También usé el efecto de mapa de profundidad de Resolve para detalles en el ambiente. Hacia el final de la temporada, hay una escena que se desarrolla en un campo de refugiados. Había muchos refugiados, guardias y hogueras llameante con cantidades variables de humo en toda la secuencia. Ocasionalmente generé mapas de profundidad con dicho efecto para obtener una mejor toma al igualar las imágenes con las tomas en exteriores. Dejé que eso guiara la visibilidad de la neblina creada con el efecto de ruido rápido. Esto me ayudó a lograr una mejor continuidad atmosférica.
¿Tienes alguna escena favorita en la serie?
-Una de mis escenas favoritas que etaloné fue la secuencia dramática de día donde Uma (interpretada por Nina Yndis) intenta entrar ilegalmente a Noruega, ayudada por contrabandistas a través del Mar del Norte. Las cálidas luces con compresión, con un toque de verde, realmente realzan la tensión e incertidumbre de la situación. Esto, en conjunto con una cinematografía audaz, una gran separación cromática contra el barco rojo, los colores densos y un trabajo impresionante de efectos visuales, ¡le da una gran energía!
Espero que el etalonaje no se perciba, en el sentido de que no debería competir con la historia, sino subrayarla. Al principio de la serie, hay sutiles diferencias entre las dos ubicaciones. Sin embargo, hay una ligera sensación de incertidumbre, incluso en la abundante frescura de Noruega.
